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Alexandre Lenoir, nascido em 1992, pinta sobretudo paisagens atravessadas por figuras frequentemente fantasmagóricas, indiferentes ao espectador. As suas pinturas são executadas a partir de fotografias que escolhe como recordações de momentos felizes, embora dominados por uma natureza imperiosa, à qual concede uma margem de arbitrariedade. Em vez de representar fielmente a natureza, procura uma alquimia que dê origem a obras que parecem ter sido criadas espontaneamente, quase sem intervenção do artista. Destas cenas familiares, banhadas por uma luz intensa, emana uma melancolia surpreendente. Por ocasião do 16.º contraponto contemporâneo no musée de l’Orangerie, Alexandre Lenoir apresenta quatro telas inéditas.
Lenoir trabalha a partir de instruções que dá a si próprio ou a assistentes que não são pintores, sobre imagens transformadas pelo tempo — tanto o que decorre entre a captação da imagem e a pintura como o necessário à sua lenta execução. Procede através de inúmeras camadas de tinta, das mais claras às mais escuras, aplicadas sobre uma multiplicidade de pequenos pedaços de fita adesiva que ocultam e depois libertam a tela, transpondo, sem efeitos «românticos», a imagem projetada a partir da qual pinta. Alexandre Lenoir: «Tudo começou com uma tela intitulada Les Cévennes, na qual, para representar a superfície da água e os seus reflexos, tinha de encontrar uma forma de aplicar o menor número possível de pinceladas. Foi então que entraram em cena as fitas adesivas, uma forma de preparar o terreno para as aguadas de tinta que aplicava lateralmente sobre a tela, como uma impressora. No final, quando retirei as fitas adesivas, vi uma imagem como se a tivesse sonhado, cuja arquitetura e enquadramentos já estavam originalmente presentes, mas no interior da qual a pintura ocupou plenamente o seu lugar. Posteriormente, desenvolvi uma relação muito íntima com este método de transposição, que me leva a ocultar, cobrir e, depois, revelar. Em suma, é uma forma de revelação que pode evocar a revelação fotográfica. Esta permite-me deixar um espaço de liberdade ao espectador que, no final, observa a tela, pois não quero ser o único a impor-lhe a imagem.» Neste aspeto, a ambição do pintor converge com a de Monet de trabalhar a perceção, o invisível: «Voltei a pegar em coisas impossíveis de fazer, escrevia Monet a Gustave Geffroy em 22 de junho de 1890, água com erva que ondula no fundo […] é admirável de ver, mas é de enlouquecer querer fazê-lo. Enfim, continuo sempre a lançar-me a estas coisas!» (Carta citada em Gustave Geffroy, Monet, sa vie, son œuvre [1924], Paris, Macula, 1980, p. 30). Alexandre Lenoir explora a tensão entre um realismo assumido e processos criativos tão elaborados quanto experimentais. Trabalha «o ato de ver» em relação com o gesto que criará a imagem, o gesto da água, o da árvore, organizando uma espécie de ecossistema comparável ao pretendido por Claude Monet ao inventar as grandes decorações: «Senti a tentação de utilizar este tema dos Nymphéas na decoração de uma sala: estendido ao longo das paredes, envolvendo todas as superfícies na sua unidade, teria proporcionado a ilusão de um todo sem fim, de uma ondulação sem horizonte nem margem.» (Claude Monet citado por Roger Marx, «Les Nymphéas de M. Claude Monet», Gazette des beaux-arts , junho de 1909). «Quando redescobri os Nymphéas , explica Lenoir, fiquei impressionado com a forma como a água se movia ao ritmo da luz mutável das salas de exposição. De facto, a matéria das telas era tal que a luz ora se prendia a ela, ora logo se esquivava, criando no meu olhar o movimento constante da água. A pintura enquanto entidade viva interessa-me muito. Através de gestos repetitivos e dos seus imprevistos, a vida do ateliê produz sempre uma imagem que me surpreende, mas que encarna plenamente a água das telas que vou apresentar na exposição.» Questiona-se sobre o que significa ser pintor e é certamente esta interrogação que se torna percetível nas suas pinturas complexas, apesar da sua aparência evidente. Gosta de recordar a fórmula do artista Niele Toroni, «Trabalhar para que a pintura trabalhe por si própria», que adota como regra, para respeitar e transgredir.
Preço: De 0 a 12,50 euros.
Fonte: paris.fr — fotografia: Charles Roussel