Esta exposição oferece aos artistas que expuseram em anos anteriores a oportunidade de um segundo encontro.
Vogel APACHETA: «Aquilo que se dilui, que se dissolve, na obra de Vogel Apacheta, é a forma. Adivinham-se as suas fontes pictóricas na vegetação e nas paisagens do seu país natal ou de outros lugares. Estas ressurgem sob a forma de fragmentos que parecem ter sido desestruturados, desconstruídos, por um dispositivo semelhante ao de um caleidoscópio, com efeitos de reflexos em espelho, linhas de clivagem, dobragens, falsas simetrias, colagens e sobreposições… Encontramo-nos aqui num espaço de plena liberdade, no qual não se coloca a questão da figuração ou da não figuração. As pinturas daí resultantes entram assim em ressonância com outra afirmação de Malraux, que escreveu: «O conflito entre figurativos e não figurativos só tem importância pelo que estava em jogo, que era a liberdade do pintor (Pollock começa em Olympia…), ainda que fosse a liberdade de encontrar novas figurações. Não se abdicará dela tão cedo.» Excerto do texto de Louis Doucet, crítico de arte, 2024 Jonathan BABLON: A evolução dos seres vivos e das sociedades são áreas que Jonathan Bablon explora durante o seu percurso na École des Beaux-Arts de Tours, que conclui em 2012. Desde então, prossegue uma prática através dos meios do desenho, da escultura e da instalação. Em 2013, após uma residência em Kona, na Inde, uma primeira abordagem aos materiais naturais conduziu-o a uma reflexão ecológica que veio a desenvolver com maior atenção durante uma residência em Mode d’Emplois, em 2014. Depois de várias exposições em centros de arte em France, prossegue a sua investigação artística em residência (2022 na Usine Utopik, 2023 na With Artist Foundation, na Corée du Sud). As leituras teóricas sobre as relações entre a cultura humana e a natureza alimentaram a prática artística do artista, levando-o a procurar, através das artes visuais, uma forma de responder à atualidade contemporânea e ambiental. Aline DECROUEZ: Construída segundo uma abordagem progressiva e experimental, a sua prática centra-se sobretudo em questões relacionadas com a cor e com a interação entre cor e espaço, permitindo-me cada disposição espacial explorar diferentes pontos de vista através de novos dispositivos cromáticos e formais. Quer sejam reunidos para formar pinturas volumétricas, quer sejam dispostos separadamente no espaço para criarem superfície, os monocromos que realiza procuram questionar as formas de relação que o ser humano mantém com o seu ambiente, colocando a perceção em abismo. Quem observa encontra-se diante e dentro da expressividade da cor. A perceção torna-se experiência. Quem observa é levado a agir, a deslocar-se, para que surja um ponto de vista: forma-se então uma perspetiva de conjunto, uma "paisagem"… O monocromo suscita uma necessidade de fragmentação e uma forma de organização. Um imaginário manifesta-se onde se constituem as tensões. Estas tensões, que mantêm uma forma de equilíbrio — tensão interna e tensionamento dos diferentes monocromos —, formam um conjunto. A pintura como escuta do visível. Rémy DUBIBE: Remy Dubibé é um nómada pela sua educação, nascido nos émirats, junto ao deserto, e criado na Indonésie, à beira da água e da selva. Todas as memórias desta infância exótica estão no centro dos seus trabalhos: acumulações de pequenas formas moldadas em cachos, suspensões ou redes esticadas, cuja brancura e delicadeza obsessiva são, contudo, enganadoras, pois ocultam uma aspereza primitiva e uma propensão para o caos. Cápsulas, conchas, nenúfares ou dobragens de origami, formas lisas, suavizadas, pontiagudas ou elípticas que, como fantasmas ou resíduos flutuantes de um mundo em decomposição, reencontrariam, através do fervilhar, da concreção, da proliferação ou da fragmentação, uma «selvajaria subtil»… Marie Aimée FATTOUCHE Ao conjugar o infinito no infinitivo, Marie Aimée Fattouche convida a uma deambulação íntima no âmago deste trabalho de investigação mecânica que iniciou há quase dois anos. Neste espaço sacralizado, deliberadamente inspirado nas salas hipostilas do Egypte das suas origens, estas estranhas colunas e arquiteturas que se erguem ou jazem no chão, quando não estão truncadas e ameaçadas de ruína, parecem testemunhar uma misteriosa transcendência. Todas obedecem ao mesmo princípio, elevado a sistema: duas peças de argila, uma chave e um trinco duplo, cada uma moldada à mão, que encaixam mecanicamente, tecendo, à medida que são montadas, uma malha simultaneamente sólida e flexível, mas nunca isenta de risco. É nesta dualidade paradoxal que a artista sente intimamente, na repetição infinita do gesto de montagem, na vertigem do vazio em torno do qual a obra se organiza e encontra a sua coerência, que reside a própria essência do empreendimento criativo. Uma aposta, uma promessa, uma oração. Pascale Richard Sarah KRESPIN Sarah Krespin, nas suas esculturas tecidas, nas suas Mutations, aparentemente moles, faz eco das incertezas e dos receios da nossa época. Nem imóveis nem livres, mas como que tomadas por espasmos convulsivos, pertencem aos três reinos: mineral, vegetal e animal. Da sua formação na École Duperré, conservou uma inclinação pelo tecido, flexível, mas endurecido pelo recurso a uma armação de fio de cobre que lhe fixa a forma e o transforma no monumento memorial de um gesto único, irreproduzível, que, mesmo que quisesse repeti-lo, não produziria resultados semelhantes. […] Antoine LANGENIEUX A sua prática da pintura assenta em dois pontos fundamentais: a superfície como lugar a construir e o dispositivo técnico de onde emerge a forma. Através de diferentes métodos de montagem e dobragem, reflete sobre o gesto e a sua ancoragem na tela. Procura estratégias que releguem o papel da mão para segundo plano, de modo a chegar a um quadro evitando qualquer ideia preconcebida. A atividade do ateliê oscila entre coloração, desconstrução e reparação. É um processo autónomo de reciclagem. Na série Abrasée, as pinturas são trabalhadas no chão, libertas das suas armações, antes de serem dobradas e mergulhadas em banhos de cor, depois secas e, por fim, desdobradas. Substitui o pincel por lixa. Num gesto semelhante ao do escultor, retira e subtrai matéria dos dois lados da tela, criando às cegas uma rede de linhas. Ao desgastar a superfície, mergulha na sua profundidade e no seu volume para finalmente revelar o movimento dos gestos anteriores. Ao longo deste demorado processo, o material altera-se e deteriora-se lentamente, criando a necessidade de o reparar. Hélène NERAUD Digam a Hélène Néraud que é uma ceramista extraordinária. Ficará imediatamente zangada e responderá que não é ceramista — termo que, do seu ponto de vista, é redutor e demasiado técnico —, mas sim pintora. Deve, portanto, ser considerada uma pintora que conseguiu libertar a pintura da sua armação, do seu plano e da sua superfície, para a fazer desenvolver-se no espaço. Afirma-o com clareza: «A minha pintura procura libertar-se da armação, mas nunca do espaço nem da superfície. Muda e desloca-se; os suportes renovaram-se. A minha prática pictórica dá forma à pintura como um invólucro sempre aberto. É variável e reescreve-se constantemente. Nem tudo está formado, nada está fixo. Em que se transformam estas composições quando se desdobram? A superfície torna-se suporte. As pinturas mantêm sempre uma relação com o apoio. Estabelecem constantemente uma relação com a parede; nunca se (re)erguem sozinhas. Atualmente, a minha pintura existe essencialmente numa relação com a volumetria. Transpõe-se para a cerâmica.» Aurélie SCOUARNEC «De uma série para outra, sendo todas elas tanto buscas pelas margens e pelo invisível como epopeias íntimas, Aurélie Scouarnec desenvolve mundos atemporais e sensoriais que encantam e nos envolvem intensamente. Mundos que traçam contornos em vez de construírem um centro, que sugerem mais do que dizem, que dão primazia ao mistério e ao pagão. Mundos fragmentários, no limite da representação, oscilando entre um enraizamento profundo na matéria dos elementos naturais e uma forma de indizível, de sagrado.» (Eric Bouttier, 2023) Ines SPANIER Ines Spanier interessa-se pela exploração gráfica de estruturas materiais, que leva até à escala de um grande plano microscópico. A dimensão temporal desempenha aí um papel determinante, tanto na duração do trabalho de desenho como na escolha dos motivos. Privilegia motivos em estado de alteração ou dissolução, materiais visivelmente marcados pelo envelhecimento. Num desenho inicial de 2009, representa um único segmento corporal sob a forma de uma paisagem cutânea em expansão, evocando um turbilhão. A dimensão cósmica e orgânica que caracteriza as suas obras posteriores já está em germe nesta primeira criação. Ines Spanier não pratica um hiper-realismo estereotipado; desenvolve a sua obra numa perspetiva aberta de consciência e exploração de si própria. Na sua prática do desenho, esta exploração da interioridade traduz-se numa obsessão pela penetração — potencialmente infinita — das estruturas superficiais até uma insondável escala nanométrica. Esta busca de profundidade confere aos desenhos de Ines Spanier um toque inimitável de diafaneidade e fantasia. Aqui, a realidade fotográfica transforma-se numa forma de informalismo em que as referências visuais clássicas se apagam quase por completo. Ines Spanier é uma artista que se distingue não só por uma reflexão de surpreendente profundidade e elevação, mas também pela singularidade e densidade da sua obra. A radicalidade e a coerência com que regista o tempo vivido — como uma experiência sobre si própria — para o materializar e condensar, sem nunca ceder a uma retórica conceptual unidimensional, não têm equivalente na arte contemporânea. Prof. Alexander Roob
Fonte: paris.fr — fotografia: @GHP