本次展览让往年曾参展的艺术家有机会再次与观众相会。
Vogel APACHETA：“在 Vogel Apacheta 的作品中，被稀释、被消解的是形式。我们可以从中隐约辨认出源自其祖国或异域植被与风景的绘画素材。它们以碎片的形式重新浮现，仿佛经过类似万花筒的装置被打散、解构，并呈现出镜面反射、分界线、折叠、伪对称、拼贴与叠加等效果……在这里，我们置身于一个完全自由的空间，具象与非具象的问题已不复存在。由此产生的画作也与 Malraux 的另一段论述遥相呼应：‘具象与非具象之间的冲突之所以重要，只因其所争取的是画家的自由（Pollock 始于 Olympia……），哪怕这种自由意味着寻找新的具象形式。人们不会轻易放弃它。’摘自艺术评论家 Louis Doucet 于 2024 年撰写的文章。Jonathan BABLON：生命与社会的演化，是 Jonathan Bablon 在 École des Beaux-Arts de Tours 学习期间探索的领域，他于 2012 年从该校毕业。此后，他持续通过绘画、雕塑和装置等媒介进行创作。2013 年，他在印度 Kona 驻留期间首次接触天然材料，由此开始生态层面的思考；2014 年在 Mode d’Emplois 驻留时，他又以更审慎的方式将其付诸实践。在法国多家艺术中心举办展览后，他通过驻留项目继续开展艺术研究（2022 年于 Usine Utopik，2023 年于韩国 With Artist Foundation）。有关人类文化与自然关系的理论阅读不断滋养着他的艺术实践，使他尝试通过视觉艺术回应当代社会与环境议题。Aline DECROUEZ：她的创作建立在渐进式与实验性的方法之上，主要围绕色彩以及色彩与空间的互动展开。每一次空间布置都让我能够借助新的色彩与形式装置，从不同视角进行探索。无论是组合成具有体积感的绘画，还是分散布置于空间中形成表面，她创作的单色作品都旨在探究人与环境之间的关系形式，并将感知置于自我映照之中。观看者既面对色彩的表现力，也置身其中。感知由此成为体验。观看者需要行动、移动，某个视角才会显现：一个整体性的透视随之形成，一幅“风景”由此出现……单色引发了碎片化的必要性与一种组织形式。想象在张力形成之处开始运作。这些维持某种平衡的张力——内部张力以及不同单色作品之间的相互牵引——共同构成一个整体。绘画，是对可见之物的聆听。Rémy DUBIBE：Remy Dubibé 因其成长经历而成为一名游牧者：出生于沙漠边缘的酋长国，在印度尼西亚的水域与丛林旁长大。童年时期所有充满异域色彩的记忆都处于其作品的核心：成串聚集的模制小型形体、悬挂结构或绷紧的网。它们那洁白而纤细、近乎执念般的外观却具有欺骗性，因为其中暗藏着原始的粗粝与趋向混乱的力量。胶囊、外壳、睡莲或折纸，光滑、甜美、尖锐或椭圆的形体，如同一个正在分解的世界中漂浮的幽灵或残余物，通过蠕动、凝结、增殖或碎裂，重新获得一种“微妙的野性”……Marie Aimée FATTOUCHE 将无限与不定式交织在一起，邀请观众亲密漫游于这项她近两年前启动的机械研究之中。在这个刻意从其故乡埃及的多柱厅汲取灵感、宛如圣所的空间里，这些奇异的柱体与建筑有的高高耸立，有的横卧地面，有的则被截断并面临倾颓，仿佛见证着某种神秘的超越性。它们都遵循同一套被确立为系统的原理：两块手工塑形的黏土、一把钥匙和一道双重插销，以机械方式彼此嵌合，并随着组装编织出一种既牢固又柔韧、却始终与风险相伴的网状结构。艺术家内心体验到的这种矛盾二元性、组装动作的无尽重复，以及作品围绕其组织并从中获得连贯性的虚空眩晕，共同构成了创作行动的本质。一场赌注，一个承诺，一次祈祷。Pascale Richard Sarah KRESPIN Sarah Krespin 的编织雕塑“Mutations”看似柔软，却呼应着我们这个时代的不确定与恐惧。它们既非静止，也非自由，而是仿佛陷入阵阵痉挛，同时具有矿物、植物与动物三界的特征。她在 École Duperré 接受的教育令其始终偏爱织物：织物本身柔软，却因铜丝骨架而变得坚挺，形态也由此被固定下来，成为某个独一无二、无法复制的动作之纪念碑；即使她试图重复这一动作，也不会得到相同的结果。[…] Antoine LANGENIEUX 他的绘画实践建立在两个基本支点之上：作为建构场所的表面，以及让形式得以浮现的技术装置。通过不同的组装与折叠方法，他思考动作及其如何扎根于画布。他寻找能够淡化手工介入的策略，以摆脱任何先入之见来完成画作。工作室里的活动摇摆于着色、解构与修复之间。这是一个自主的循环再利用过程。在“Abrasée”系列中，画作脱离画框，在地面上进行处理，随后被折叠、浸入颜料池，再晾干并最终展开。他用砂纸取代画笔。如同雕塑家的动作一般，他从画布两面去除、削减材料，凭借盲操作形成线条网络。通过磨蚀表面，他深入其纵深与体积，最终显露此前动作留下的轨迹。在这一漫长过程中，材料逐渐发生变化、缓慢损耗，从而产生修复的必要。Hélène NERAUD 如果你告诉 Hélène Néraud，她是一位杰出的陶艺家，她会立刻生气，并反驳说自己并非陶艺家；在她看来，这一称谓既有局限性，又过于强调技术，她是一名画家。因此，应将她视为一位成功地让绘画摆脱画框、平面与表面，使其在空间中延展的画家。她明确表示：“我的绘画试图摆脱画框，却从未脱离空间与表面。它不断变异、移动，载体也随之更新。我的绘画实践将绘画塑造成一层始终敞开的外壳。它不断变化，也不断被重新书写。一切都尚未成形，没有任何事物被固定。当这些组合展开时，它们会变成什么？表面成为载体。绘画始终与倚靠相关。它们不断与墙面建立关系，从不独自（重新）直立。如今，我的绘画主要存在于与体积的关系之中，并转化为陶瓷。”Aurélie SCOUARNEC “从一个系列到另一个系列——它们既是对边缘与不可见之物的追寻，也是私密的史诗——Aurélie Scouarnec 展开了一个个超越时间、诉诸感官的世界，令人着迷，让我们深深沉浸其中。这些世界勾勒轮廓，却不构筑中心；更多是暗示，而非言说；它们让神秘与异教气息占据重要位置。它们是碎片化的世界，处于再现的边界，在深深扎根于自然元素的物质性与某种不可言说、某种神圣之间摆荡。”（Eric Bouttier，2023）Ines SPANIER Ines Spanier 致力于以绘画方式探索物质结构，并将其推进至显微特写的尺度。时间维度在其中起着决定性作用，既体现在绘画工作的持续时间上，也体现在图案的选择上。她偏爱处于变质或溶解状态的图案，以及明显带有老化痕迹的材料。在 2009 年的一幅早期作品中，她将单一身体部位描绘成一片不断扩张、令人联想到漩涡的皮肤景观。其后期作品所具有的宇宙性与有机性，已在这件最初的作品中初露端倪。Ines Spanier 并不从事模式化的超写实主义创作；她以开放的意识和自我探索视角发展自己的作品。在她的绘画实践中，这种对内在世界的探索体现为一种执念：不断深入表面结构，直至深不可测、甚至可能无限延伸的纳米尺度。这种对深度的追寻赋予 Ines Spanier 的绘画一种无可模仿的通透感与奇幻色彩。在这里，摄影式现实转向某种非形式艺术，传统视觉参照几乎完全消失。Ines Spanier 不仅以其惊人的思想深度与高度脱颖而出，其作品的独特性与密度也同样令人瞩目。她以一种近乎自我实验的方式记录亲历的时间，使其物质化并凝缩；这一过程兼具彻底性与连贯性，却从不屈从于单一维度的观念修辞，在当代艺术中无可比拟。Prof. Alexander Roob
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