يتيح هذا المعرض للفنانين الذين عرضوا أعمالهم في الأعوام السابقة فرصة لقاء ثانٍ.
Vogel APACHETA: «ما يتلاشى ويذوب لدى Vogel Apacheta هو الشكل. ويمكن تبيّن مصادره التصويرية في نباتات ومناظر بلده الأم أو أماكن أخرى. وهي تعاود الظهور في هيئة شظايا تبدو كأنها فُككت وأُعيد تفكيك بنيتها بواسطة آلية شبيهة بالمشكال، مع تأثيرات انعكاس مرآتي وخطوط فاصلة وطيات وتناظرات زائفة وقصاصات وطبقات متراكبة… نحن هنا في فضاء من الحرية المطلقة، حيث لا يُطرح السؤال عن التشخيص أو التجريد. وهكذا تتجاوب اللوحات الناتجة مع قول آخر لـMalraux، كتب فيه: «لا تكتسب المواجهة بين التشخيصيين والتجريديين أهميتها إلا من الرهان الذي انطوت عليه، وهو حرية الرسام (يبدأ Pollock عند Olympia…)، حتى لو كانت حرية ابتكار أشكال تشخيصية جديدة. ولن يُتخلى عنها قريبًا.» مقتطف من نص Louis Doucet، ناقد فني، 2024 Jonathan BABLON: يُعد تطور الكائنات الحية والمجتمعات من المجالات التي استكشفها Jonathan Bablon خلال دراسته في École des Beaux-Arts de Tours، التي أنهاها عام 2012. ومنذ ذلك الحين، واصل ممارسته الفنية من خلال الرسم والنحت والأعمال التركيبية. وفي عام 2013، وبعد إقامة فنية في Kona في Inde، قادته مقاربته الأولى للمواد الطبيعية إلى تفكير بيئي عمل على تطويره بمزيد من العناية خلال إقامة في Mode d’Emplois عام 2014. وبعد عدة معارض في مراكز فنية في France، واصل أبحاثه الفنية ضمن إقامات فنية (عام 2022 في Usine Utopik، وعام 2023 في With Artist Foundation في Corée du Sud). وقد أغنت القراءات النظرية المتعلقة بعلاقات الثقافة الإنسانية بالطبيعة ممارسة الفنان، سعيًا إلى إيجاد طريقة، عبر الفنون البصرية، للاستجابة لقضايا العصر والبيئة. Aline DECROUEZ: تقوم ممارستها، المبنية وفق نهج تدريجي وتجريبي، أساسًا على أسئلة مرتبطة باللون والتفاعل بين اللون والفضاء، إذ يتيح لي كل تنظيم مكاني اللعب على وجهات نظر مختلفة من خلال ترتيبات لونية وشكلية جديدة. وسواء جُمعت الأعمال أحادية اللون التي تنجزها لتشكيل لوحات حجمية، أو وُزعت منفصلة في الفضاء لتكوين سطح، فإنها تهدف إلى مساءلة أشكال العلاقة التي يقيمها الإنسان مع بيئته، واضعةً الإدراك في انعكاس ذاتي متوالٍ. يجد المشاهد نفسه أمام تعبيرية اللون وفي داخلها. ويتحول الإدراك إلى تجربة. ويُدعى المشاهد إلى الفعل والتنقل كي تظهر زاوية نظر؛ فتتكون عندئذ رؤية شاملة، أي «مشهد طبيعي»… يفرض العمل أحادي اللون ضرورة التجزئة وشكلًا من أشكال التنظيم. وينشأ الخيال حيث تتشكل التوترات. وهذه التوترات التي تحافظ على نوع من التوازن — التوتر الداخلي والتفاعل المتوتر بين مختلف الأعمال أحادية اللون — تشكل كلًا متكاملًا. الرسم بوصفه إصغاءً إلى المرئي. Rémy DUBIBE: Remy Dubibé رحّالة بحكم نشأته؛ وُلد في les émirats على تخوم الصحراء، وترعرع في Indonésie على مقربة من الماء والغابة. وتستقر كل ذكريات هذه الطفولة الغريبة في صميم أعماله: تراكمات من أشكال صغيرة مصبوبة في عناقيد، أو عناصر معلقة، أو شبكات مشدودة، يبدو بياضها ودقتها المفرطة خادعين، إذ يختبئ وراءهما طابع بدائي خشن ونزوع إلى الفوضى. كبسولات وأصداف وزنابق ماء وطيات أوريغامي، وأشكال ملساء أو مخففة أو شائكة أو إهليلجية، تبدو كالأشباح أو البقايا العائمة لعالم يتحلل، وكأنها تستعيد، من خلال التزاحم أو التكتل أو التكاثر أو التشظي، «توحشًا رقيقًا»… Marie Aimée FATTOUCHE من خلال اقتران اللانهائي بصيغة المصدر، تدعو Marie Aimée Fattouche إلى تجوال حميم في قلب هذا البحث الميكانيكي الذي بدأته قبل نحو عامين. وفي هذا الفضاء المقدس المستوحى عمدًا من القاعات ذات الأعمدة في Egypte، موطن أصولها، تبدو هذه الأعمدة والبُنى الغريبة، الصاعدة أو الملقاة على الأرض حين لا تكون مبتورة ومهددة بالانهيار، شاهدةً على سمو غامض. وتخضع جميعها للمبدأ نفسه الذي تحول إلى نظام: قطعتان من الطين، ومفتاح، ومزلاج مزدوج، صيغ كل منها يدويًا، وتتداخل ميكانيكيًا لتنسج، بحسب طريقة تجميعها، شبكة متينة ومرنة في آن واحد، لكنها لا تكون بمنأى عن المخاطر أبدًا. وفي هذه الازدواجية المتناقضة التي تعيشها الفنانة في أعماقها، وفي التكرار اللامتناهي لحركة التجميع، وفي دوار الفراغ الذي ينتظم العمل حوله ويستمد منه تماسكه، يكمن جوهر مشروع الإبداع ذاته. رهان، ووعد، وصلاة. Pascale Richard Sarah KRESPIN تستحضر Sarah Krespin، في منحوتاتها المنسوجة المسماة Mutations، التي تبدو رخوة، أوجه عدم اليقين والمخاوف السائدة في عصرنا. فهي ليست ثابتة ولا حرة، بل تبدو كأنها واقعة تحت وطأة تشنجات اختلاجية، وتنتمي إلى الممالك الثلاث: المعدنية والنباتية والحيوانية. وقد احتفظت من دراستها في École Duperré بانجذاب إلى النسيج؛ وهو مرن، لكنه يُصلّب باستخدام هيكل من أسلاك النحاس يثبت شكله ويحوله إلى نصب تذكاري لحركة فريدة لا يمكن تكرارها، إذ لن تنتج نتائج مماثلة حتى لو أرادت إعادتها. […] Antoine LANGENIEUX ترتكز ممارسته للرسم على نقطتين أساسيتين: السطح بوصفه مكانًا ينبغي بناؤه، والترتيب التقني الذي ينبثق منه الشكل. ومن خلال طرائق مختلفة للتجميع والطي، يتأمل الحركة وتجذرها في القماش. ويبحث عن استراتيجيات تقلل دور اليد للوصول إلى لوحة خالية من أي تصور مسبق. ويتأرجح نشاط الاستوديو بين التلوين والتفكيك والإصلاح. إنها عملية مستقلة لإعادة التدوير. في سلسلة Abrasée، تُعالَج اللوحات على الأرض، محررةً من إطاراتها، قبل أن تُطوى وتُغمر في حمامات لونية، ثم تُجفف وتُفرد أخيرًا. ويستبدل الفرشاة بورق الصنفرة. وعلى غرار حركة النحات، يزيل المادة وينقصها من جانبي القماش، راسمًا على نحو أعمى شبكة من الخطوط. ومن خلال سحج السطح، يغوص في عمقه وحجمه ليكشف في النهاية عن حركة الإيماءات السابقة. وخلال هذه العملية الطويلة، تتغير المادة وتتدهور ببطء، مما يخلق ضرورة إصلاحها. Hélène NERAUD أخبروا Hélène Néraud بأنها خزّافة بارعة. ستغضب فورًا وتجيب بأنها ليست خزّافة، لأن هذا المصطلح، من وجهة نظرها، اختزالي وتقني أكثر من اللازم، بل هي رسامة. لذلك ينبغي النظر إليها بوصفها رسامة نجحت في تحرير الرسم من إطاره ومستواه وسطحه، لكي تتيح له الانتشار في الفضاء. وهي تؤكد ذلك بوضوح: «يسعى رسمي إلى التحرر من الإطار، لكن ليس من الفضاء أو السطح أبدًا. إنه يتحول ويتنقل، وقد تجددت حوامله. تمنح ممارستي التصويرية الرسم شكل غلاف مفتوح دائمًا. وهي متغيرة وتعيد كتابة نفسها باستمرار. لم يتشكل كل شيء، ولا شيء ثابت. ماذا تصبح هذه الترتيبات حين تنتشر؟ يتحول السطح إلى حامل. وتظل اللوحات دائمًا مرتبطة بفعل الاستناد. فهي تقيم باستمرار علاقة بالجدار، ولا تنتصب أو تعاود الانتصاب بمفردها أبدًا. واليوم، يحضر رسمي أساسًا من خلال علاقته بالحجم. وينتقل إلى الخزف.» Aurélie SCOUARNEC «من سلسلة إلى أخرى، وهي بقدر ما تمثل بحثًا عن الهوامش واللامرئي تمثل ملاحم حميمية، تنشر Aurélie Scouarnec عوالم عابرة للزمن وحسية، تسحرنا وتغمرنا بكثافة. عوالم ترسم حدودًا بدلًا من أن تبني مركزًا، وتوحي أكثر مما تصرّح، وتفسح مجالًا واسعًا للغموض والوثني. عوالم مجزأة تقف على حدود التمثيل، وتتأرجح بين تجذر عميق في مادة العناصر الطبيعية وشكل من أشكال ما يتعذر قوله والمقدس.» (Eric Bouttier، 2023) Ines SPANIER تهتم Ines Spanier بالاستكشاف الرسومي للبُنى المادية، وتدفع به إلى مستوى اللقطة المجهرية المكبرة. ويلعب البعد الزمني دورًا حاسمًا، سواء في المدة التي يستغرقها عمل الرسم أو في اختيار الأنماط. وهي تفضل الأنماط التي تمر بحالة من التغير أو التحلل، والمواد التي تظهر عليها بوضوح آثار التقادم. وفي رسم مبكر يعود إلى عام 2009، تمثل جزءًا واحدًا من الجسد على هيئة مشهد جلدي متمدد يوحي بدوامة. ويظهر البعد الكوني والعضوي الذي يميز أعمالها اللاحقة في صورة جنينية منذ هذا العمل الأول. لا تمارس Ines Spanier واقعية مفرطة نمطية؛ بل تطور عملها ضمن منظور منفتح للوعي واستكشاف الذات. وفي ممارستها للرسم، يتجلى هذا الاستكشاف للعالم الداخلي في هوس باختراق بُنى السطح — إلى ما لا نهاية محتملة — وصولًا إلى مقياس نانومتري يتعذر سبره. ويمنح هذا البحث عن العمق رسومات Ines Spanier لمسة لا تُضاهى من الشفافية والخيال. وهنا ينقلب الواقع الفوتوغرافي إلى شكل غير تشخيصي تكاد فيه المرجعيات البصرية التقليدية تختفي تمامًا. تتميز Ines Spanier ليس فقط بتفكير بالغ العمق والسمو على نحو مدهش، بل أيضًا بفرادة عملها وكثافته. ولا مثيل في الفن المعاصر للجذرية والاتساق اللذين تسجل بهما الزمن المُعاش — كتجربة تُجرى على الذات — لكي تجسده وتكثفه، من دون أن تستسلم يومًا لخطاب مفاهيمي أحادي البعد. البروفيسور Alexander Roob
المصدر: paris.fr — الصورة: @GHP