Los cuadros coloridos y alegres de Auguste Renoir, su iconografía de las guinguetas y los bailes públicos, han hecho de él un «pintor de la felicidad». Esta reputación a veces ha llevado a marginarlo entre los grandes pintores de la modernidad, bajo el pretexto de que esta no puede ser más que melancólica o irónica, desencantada o desilusionada. Sin embargo, su obra propone una reflexión original sobre la modernidad, colocada bajo el signo del amor, entendido a la vez como fuerza que rige las relaciones humanas y como sentimiento que guía la mirada del artista hacia sus modelos, hacia el mundo y hacia la pintura misma.
«Sé muy bien que es difícil hacer admitir que una pintura pueda ser una gran pintura manteniéndose alegre» (Auguste Renoir). Con motivo del cent cincuenta aniversario del Baile en el Moulin de la Galette (1876), obra maestra de las colecciones del museo d’Orsay, esta exposición reúne por primera vez este corpus fundamental de «escenas de la vida moderna»: cuadros con varias figuras que representan temas contemporáneos (distintos de los retratos y los paisajes) realizados por Renoir durante los veinte primeros años de su carrera (1865-1885). Durante este periodo, participa en la invención colectiva de una «Nueva Pintura» junto a Manet, Monet, Morisot, Degas o Caillebotte. No obstante, se distingue por su sentido singular de la empatía y su capacidad de asombro, eligiendo solo temas felices y destacando siempre a sus modelos. Esta mirada «enamorado» se manifiesta mediante un gusto pronunciado por los vínculos, tanto en sus motivos (conversaciones, comidas, bailes...) como en su manera de pintar, atenta a todo lo que puede contribuir a un sentimiento de unidad (gestos de los personajes, luz envolvente, equilibrio de los colores, pinceladas fluidas y esbozadas que funden los objetos unos con otros). La exposición también pone de relieve la predilección de Renoir por la representación de la joven pareja, pero pretende deconstruir una idea preconcebida que querría que su pintura fuera «sentimental». Por el contrario, evita la expresión demasiado directa de las emociones, la narración novelística, así como las puestas en escena eróticas. Admirador de los pintores franceses del siglo XVIII (Watteau, Boucher, Fragonard), Renoir hace renacer una atmósfera de «fiestas galantes» y promueve una forma de libertad de costumbres e igualdad entre sexos en el París de finales del Segundo Imperio y comienzos de la III República. Esta elección debe entenderse a la luz de la biografía del artista, quien lleva entonces una «vida de bohemia» marcada por relaciones consideradas entonces «ilegítimas», y situarla en el contexto del siglo XIX marcado por el matrimonio y las normas burguesas, la moral religiosa, la importante presencia de la prostitución y unas desigualdades muy marcadas entre hombres y mujeres. En este marco, los grandes formatos de Renoir dedicados a la pareja feliz, a la «camaradería» (según palabras de su amigo Rivière) y a la convivencia, aparecen como tantos manifiestos contra la violencia de las relaciones entre sexos, los antagonismos de clase y la creciente soledad de la vida urbana. Coorganizada con la National Gallery de Londres y el Museum of Fine Arts de Boston, esta exposición ofrece una mirada renovada sobre cuadros tan célebres que hoy resulta difícil percibir toda su novedad. Por primera vez desde 1985 –fecha de la última retrospectiva de Renoir organizada en París–, una exposición reúne un conjunto compacto pero significativo de obras (unas cincuenta pinturas) de la primera parte de la carrera del artista, entre las cuales se encuentran sus mayores obras maestras: desde La Grenouillère (1869, Estocolmo, Nationalmuseum) hasta Los Paraguas (1881-1885, Londres, The National Gallery), pasando por El Paseo (1870, Los Ángeles, The J. Paul Getty Museum), La Danza en Bougival (1883, Boston, Museum of Fine Arts) y El Almuerzo de los remeros (1880-1881), prestado excepcionalmente por la Phillips Collection de Washington.
Tarif: De 0 a 16 euros.
Fuente: paris.fr — foto: Imagen cortesía del J. Paul Getty Museum