Esta exposición brinda a los artistas que expusieron en años anteriores la oportunidad de participar en una segunda cita.
Vogel APACHETA: «Lo que se diluye, lo que se disuelve en la obra de Vogel Apacheta es la forma. Sus fuentes pictóricas se intuyen en la vegetación y los paisajes de su país natal o de otros lugares. Reaparecen en forma de fragmentos que parecen haber sido desestructurados y deconstruidos mediante un dispositivo similar a un caleidoscopio, con efectos de reflejos especulares, líneas de separación, pliegues, falsas simetrías, collages y superposiciones… Nos encontramos aquí en un espacio de plena libertad, donde no se plantea la cuestión de la figuración o la no figuración. Las pinturas resultantes entran así en resonancia con otra afirmación de Malraux: «El conflicto entre figurativos y no figurativos solo importa por lo que estaba en juego: la libertad del pintor (Pollock comienza en Olympia…), aunque fuera la libertad de encontrar nuevas figuraciones. No se renunciará a ella en mucho tiempo». Extracto del texto de Louis Doucet, crítico de arte, 2024 Jonathan BABLON: La evolución de los seres vivos y de las sociedades son ámbitos que Jonathan Bablon exploró durante sus estudios en la École des Beaux-Arts de Tours, que finalizó en 2012. Desde entonces, ha continuado desarrollando una práctica a través del dibujo, la escultura y la instalación. En 2013, tras una residencia en Kona, India, un primer acercamiento a los materiales naturales lo condujo hacia una reflexión ecológica que pudo desarrollar con mayor atención durante una residencia en Mode d’Emplois en 2014. Después de varias exposiciones en centros de arte de Francia, prosiguió sus investigaciones artísticas en distintas residencias (en 2022, en la Usine Utopik; en 2023, en la With Artist Foundation, en Corea del Sur). Las lecturas teóricas sobre las relaciones de la cultura humana con la naturaleza han nutrido la práctica artística del artista en su búsqueda, desde el ámbito de las artes visuales, de una manera de responder a la realidad contemporánea y medioambiental. Aline DECROUEZ: Construida a partir de un enfoque progresivo y experimental, su práctica se centra principalmente en cuestiones relacionadas con el color y en la interacción entre color y espacio; cada disposición espacial me permite jugar con diferentes puntos de vista mediante nuevos dispositivos cromáticos y formales. Ya estén ensamblados para formar pinturas volumétricas o dispuestos por separado en el espacio para crear una superficie, los monocromos que realiza pretenden cuestionar las formas de relación que el ser humano mantiene con su entorno, poniendo en abismo la percepción. El espectador se encuentra ante la expresividad del color y dentro de ella. La percepción se convierte en experiencia. El espectador se ve llevado a actuar, a desplazarse, para que aparezca un punto de vista: surge entonces una perspectiva de conjunto, un "paisaje"… El monocromo suscita una necesidad de fragmentación y una forma de organización. Surge un imaginario allí donde se constituyen las tensiones. Estas tensiones, que mantienen una forma de equilibrio —tensión interna y puesta en tensión de los distintos monocromos—, forman un conjunto. La pintura como escucha de lo visible. Rémy DUBIBE: Remy Dubibé es un nómada por su educación: nació en los emiratos, en los límites del desierto, y creció en Indonesia, junto al agua y la selva. Todos los recuerdos de esta infancia exótica ocupan el centro de sus obras: acumulaciones de pequeñas formas moldeadas en racimos, suspensiones o redes tensadas, cuya blancura y delicadeza obsesiva resultan, sin embargo, engañosas, pues esconden una aspereza primitiva y una propensión al caos. Cápsulas, conchas, nenúfares o pliegues de origami; formas lisas, edulcoradas, punzantes o elípticas que, como fantasmas o residuos flotantes de un mundo en descomposición, recuperarían, mediante el bullicio, la concreción, la proliferación o la fragmentación, un «salvajismo sutil»… Marie Aimée FATTOUCHE Al conjugar el infinito en infinitivo, Marie Aimée Fattouche invita a un recorrido íntimo por el corazón de este trabajo de investigación mecánica que inició hace casi dos años. En este espacio convertido deliberadamente en santuario e inspirado en las salas hipóstilas del Egipto de sus orígenes, estas extrañas columnas y arquitecturas que se alzan o yacen en el suelo, cuando no aparecen truncadas y amenazadas por la ruina, parecen dar testimonio de una misteriosa trascendencia. Todas obedecen al mismo principio, elevado a la categoría de sistema: dos piezas de arcilla, una llave y un pestillo doble, cada una modelada a mano, que encajan mecánicamente y tejen, según su ensamblaje, una malla tan sólida como flexible, pero nunca exenta de riesgos. En esta dualidad paradójica que la artista experimenta íntimamente, en la repetición infinita del gesto de ensamblar, en el vértigo del vacío en torno al cual la obra se organiza y encuentra su coherencia, reside la esencia misma de la empresa creadora. Una apuesta, una promesa, una oración. Pascale Richard Sarah KRESPIN Sarah Krespin, con sus esculturas tejidas, sus Mutations, aparentemente blandas, se hace eco de las incertidumbres y los temores de nuestra época. Ni inmóviles ni libres, sino como atrapadas en espasmos convulsivos, participan de los tres reinos: mineral, vegetal y animal. De su formación en la École Duperré conserva una inclinación por el tejido, flexible pero rigidizado mediante una estructura de alambre de cobre que fija su forma y lo convierte en el monumento conmemorativo de un gesto único e irrepetible que, aunque quisiera reproducirlo, no generaría resultados similares. […] Antoine LANGENIEUX Su práctica pictórica se basa en dos aspectos fundamentales: la superficie como lugar que construir y el dispositivo técnico del que emerge la forma. A través de distintos métodos de ensamblaje y plegado, reflexiona sobre el gesto y su arraigo en el lienzo. Busca estrategias que releguen el papel de la mano para llegar al cuadro evitando cualquier idea preconcebida. La actividad del estudio oscila entre la coloración, la deconstrucción y la reparación. Es un proceso autónomo de reciclaje. En la serie Abrasée, las pinturas se trabajan en el suelo, liberadas de sus bastidores, antes de plegarse y sumergirse en baños de color para después secarse y, finalmente, desplegarse. Sustituye el pincel por papel de lija. Con un gesto similar al del escultor, elimina y sustrae materia de ambos lados del lienzo, creando a ciegas una red de líneas. Al erosionar la superficie, se adentra en su profundidad y volumen para acabar revelando el movimiento de los gestos anteriores. Durante este largo proceso, el material se altera y se deteriora lentamente, lo que genera la necesidad de repararlo. Hélène NERAUD Díganle a Hélène Néraud que es una ceramista extraordinaria. Se enfadará de inmediato y replicará que no es ceramista —un término que considera reduccionista y demasiado técnico—, sino pintora. Por tanto, debe ser considerada una pintora que ha conseguido liberar la pintura de su bastidor, su plano y su superficie para permitirle desarrollarse en el espacio. Lo afirma con claridad: «Mi pintura busca liberarse del bastidor, pero nunca del espacio ni de la superficie. Muta y se desplaza; los soportes se han renovado. Mi práctica pictórica da forma a la pintura como una envoltura siempre abierta. Es variable y se reescribe constantemente. No todo está formado, nada está inmóvil. ¿En qué se convierten estas composiciones cuando se despliegan? La superficie se convierte en soporte. Las pinturas siempre mantienen una relación con el apoyo. Establecen constantemente una relación con la pared; nunca se (re)incorporan solas. Hoy mi pintura está presente fundamentalmente en su relación con el volumen. Se traslada a la cerámica». Aurélie SCOUARNEC «De una serie a otra, que son tanto búsquedas de los márgenes y de lo invisible como epopeyas íntimas, Aurélie Scouarnec despliega mundos atemporales y sensoriales que hechizan y nos sumergen intensamente. Mundos que trazan contornos en lugar de construir un centro, que sugieren más de lo que dicen, que conceden un lugar privilegiado al misterio y a lo pagano. Mundos fragmentarios, en los límites de la representación, que oscilan entre un profundo arraigo en la materia de los elementos naturales y una forma de lo indecible, de lo sagrado». (Eric Bouttier, 2023) Ines SPANIER Ines Spanier se interesa por la exploración gráfica de estructuras materiales, que lleva hasta la escala del primer plano microscópico. La dimensión temporal desempeña un papel determinante, tanto en la duración del trabajo de dibujo como en la elección de los motivos. Da prioridad a motivos en estado de alteración o disolución, a materiales visiblemente marcados por el envejecimiento. En un dibujo temprano de 2009 representa un único segmento corporal como un paisaje cutáneo en expansión que evoca un remolino. La dimensión cósmica y orgánica que caracteriza sus obras posteriores ya está latente en esta primera creación. Ines Spanier no practica un hiperrealismo estereotipado; desarrolla su obra desde una perspectiva abierta de conciencia y exploración de sí misma. En su práctica del dibujo, esta exploración de la interioridad se traduce en una obsesión por penetrar —potencialmente hasta el infinito— en las estructuras superficiales hasta alcanzar una insondable escala nanométrica. Esta búsqueda de profundidad confiere a los dibujos de Ines Spanier un inconfundible carácter diáfano y fantástico. Aquí, la realidad fotográfica se inclina hacia una forma de informalismo en la que las referencias visuales clásicas se desvanecen casi por completo. Ines Spanier es una artista que destaca no solo por una reflexión de profundidad y altura sorprendentes, sino también por la singularidad y la densidad de su obra. La radicalidad y la coherencia con las que registra el tiempo vivido —como una experiencia sobre sí misma— para materializarlo y condensarlo, sin ceder nunca a una retórica conceptual unidimensional, no tienen parangón en el arte contemporáneo. Prof. Alexander Roob
Fuente: paris.fr — foto: @GHP